Oel-Früh

Die Gartenlaube ist ein deutsch codierter Mikroraum zwischen Privatheit und Öffentlichkeit, zwischen Idyll und Abschottung: ein Ort, an dem sich Selbstbilder stabilisieren, an dem Ordnung hergestellt wird, an dem aber auch Weltbilder „gelagert“ werden können. Die Ausstellung  „better late than never“ ist eine szenische Installation. Eine Gartenlaube, aufgebaut in einem scheinbar neutralen Raum, dem Ausstellungsraum von Oel-Früh. Die ca. 2 x 3 m große Hütte aus Holz ist klein, aber als Verdichtung gedacht – als Innenraum voller Objekte, Spuren und Ablagen, die auf Verbergen, Aufbewahren, Vorbereiten verweisen. Ein Leitmotiv stellt für Huber die Prepper-Szene dar mit ihren Gedanken zur vermeintlichen Bedrohung bzw. Sicherheit und der Frage, was ein Mensch zum Leben und Überleben braucht. Dazu bediet Huber sich einer Art von Assemblage, in der sämtliche scheinbar nützliche Gegenstände angehäuft und präsentiert werden.

Für ihre Ausstellung in der Galerie Oel-Früh versammelt Simone Kessler (*1985, lebt und arbeitet in Hamburg) Installationen vom Heruntergefallenen und Untergehenden. Darin treten Konsumgut und historische Aufzeichnung, Bildschirm und Landkarte, vermeintlicher Kinderspielplatz und Schlachtfeld miteinander in Verbindung, fließen ineinander und umeinander herum. Das Medium Ton verbindet die Installationen über  unterschiedliche Zeitlichkeiten hinweg und vermittelt zwischen der flüchtigen Spur einer Notiz und einem Jahrtausende überdauernden Museumsstück.

Barkassenfahrt von Kunst zu Kunst
Samstag, 11. Juli 2026
Endlich wieder, nach 3 Jahren Pause.
Dank großzügiger Unterstützung der Poolhaus-Blankenese Stiftung.
Dennis Rudolph – Temple Of Ai — Artificial Gods; Dominik Halmer – Walden 
Vanessa Amoah Opoku – Breathing Room – How Are We Here and Elsewhere?
Dazu Butterkuchen und Bohnenkaffee, Backfisch mit Kartoffelsalat. Eine kontrastreiche Reise über die Elbe, von Wittenberge nach Rothenburgsort. Zwei Ausstellungen an Land und zwei Sound Performances an Bord.

Vanessa Amoah Opoku (*1992, lebt und arbeitet in Berlin und Basel) fragt, was Diaspora und Displacement in Körpern und Materialien erzeugen. Mit Breathing Room zeigt sie eine großformatige Installation, die Erfahrung nicht als Randphänomen verhandelt, sondern als Grundlage neuer Beziehungsweisen.
Ausgangspunkt sind Gespräche mit Menschen über Zugehörigkeit und Verortung.

Anneliese Greve I Jaewon Kim I Jakob Limmer I Snow Paik I Hara Shin I Pharaz Azimi

Das Künstler*innen-Kollektiv Delta verwandelt die pragmatische Mechanik der ehemaligen Werkstatt in ein poetisches System aus Kräften, Gewichten und Widerständen, das gesellschaftliche Themen subtil aufgreift. Der Titel »Deadlift, If Gravity Were to Disappear« nimmt das Konzept der Schwerkraft als Ausgangspunkt: nicht als physikalisches Gesetz, sondern als Sinnbild unserer Verbundenheit mit der Welt. Eine Welt ohne Schwerkraft ist eine Welt ohne Richtung, ohne Halt, ohne Bedeutung. In ihr lösen sich Körper und Sinn voneinander und alles, was Gewicht hat, verliert seine Orientierung.

Harry Thring verbindet in seiner neuen Werkreihe geologische und häusliche Zeitzeichen – Stalaktiten und Türrahmen – zu einer poetischen Untersuchung von Zeit, Erinnerung und Material. In Zusammenarbeit mit dem Klangkünstler Harry Reddick entsteht eine raumübergreifende Installation, die die Beziehung zwischen menschlicher Wahrnehmung und planetarischer Zeit reflektiert.

Raummoden präsentiert eine 16-kanalige DIY-Ambisonics-Installation, die sechzehn öffentliche Räume in 360°-Aufnahmen zu einer räumlichen Komposition verschränkt. Sechzehn improvisierende Musiker:innen begegnen sich in einem 3D-Raumklang der dritten Ordnung, der urbane Hörsituationen als Klangarchitektur erfahrbar macht. Ausgangspunkt sind Gespräche über „nonaggressive music deterrents“, invasive Sound-Erfahrungen, sonic weapons und Fragen nach klanglicher Selbstbestimmung.

Till Bicks Arbeiten loten das Spannungsfeld zwischen archaischer Materialität und digitaler Projektion aus: In verschiedenen grafischen und skulpturalen Ausdrucksformen – von Holzschnitten und Bronzereliefs bis zu Video-Loops – transformiert er topografische Spuren, oft aus einer entfernten, technisch vermittelten Perspektive, zu seriellen Bildräumen. Ein Bronzerelief findet dabei sein Gegenstück in einer Hologrammprojektion, ein digitaler Zwilling, der seine feste Form in flüchtige Lichtpartikel auflöst. So entstehen Werke, die wie Sedimente einer ungreifbaren Geografie wirken: Schichten aus Daten und Material, die zwischen kartografischer Präzision und den Echos entlegener Räume oszillieren.

Die Last Edition II wird von 108 Künstler*innen, welche von 2014–2025 im Projektraum Galerie Oel-Früh ausgestellt haben, bestückt und zum 20. Jubiläum präsentiert. Sie folgt der Last Edition I 2012 mit den 89 Künstler*innen der Anfangsjahre 2005-2012 am Brandshofer Deich. Gemeinsam bilden die Editionen ein lebendiges Archiv der Oel-Früh-Geschichte – ein Panorama aus verschiedenen Standorten, künstlerischen Handschriften, ästhetischen Brüchen, Wiederbegegnungen und Neuentdeckungen.

Aigners Arbeit bewegt sich in jenen Zwischenräumen, in denen Geste und Erinnerung, Körper und Form, Text und Material in Korrespondenz treten. Ihre Oberflächen, Tonplatten mit Ritzungen, Ausschnitten, Silhouetten von Füßen, Fingern, Nasen oder Ohren, richten den Blick nicht auf Abbild oder Anatomie, sondern auf die Spur: Körperfragmente werden zu Zeichen, die mehr von Abwesenheit erzählen als von Präsenz. Leerstellen werden zu Speicherorten von Verlust und Bedeutung; das, was fehlt, spricht oft lauter als das, was sich zeigt.

“Das Innere interessiert (jetzt) nicht, wir wissen es (sowieso) nicht.” 
Als “Black Box” bezeichnet man in der Kybernetik und Systemtheorie ein komplexes System, von welchem nur das Äußere betrachtet werden soll. 
Die Sound Installation “schwarze Kiste“ möchte das Verhältnis von Geheimnis und Transparenz spielerisch beleuchten, in dem ein Versuch durchgeführt wird. Gäste werden eingeladen in die “schwarze Kiste” hineinzugehen und wieder aus ihr herauszukommen.

Die Ausstellung Sonnen-Suche beschäftigt sich mit dem Spannungsfeld zwischen wissenschaftlichem Erkenntnisinteresse und der realen Unerreichbarkeit ihres Gegenstands: der Sonne. Als physisch nicht zugängliches Objekt steht sie exemplarisch für den Moment, in dem Wissen fragmentarisch bleibt – und gerade darin produktiv wird. Die gezeigten Arbeiten verhandeln Prozesse des Suchens, Ordnens und Scheiterns. Wissenschaftliche Ästhetiken, Messinstrumente und spekulative Imagination werden dekonstruiert, verschoben und in künstlerische Zusammenhänge überführt. So entstehen installative Versuchsanordnungen, die Forschung als offenen, transformativen Raum begreifen.

Die Künstlerinnen setzen sich in ihren Malereien, Fotografien, Videoinstallationen und einer gemeinsamen Performance mit der Angst vor Vernichtung, dem Alleinsein im Alter und der Angst, nicht gemocht zu werden, auseinander – Ängste, die sie als Produkt des gesellschaftlichen Ideals der monogamen Beziehung betrachten.
‚Die Pärchenlüge‘ behandelt daraus hervorgehend den Wunsch nach einem Ausbruch aus dem patriarchalen Konzept der monogamen Zweierbeziehungen.

In ihrer neuen Werkserie CARBON CASUALS zeigt Verena Issel farbenfrohe Malereien in Ölkreide – verspielt, beinahe heiter. Überall: Füße in Badelatschen, Sandalen, Flip-Flops. Ein humorvoller Anblick – und doch trügt der erste Eindruck.
Issel nutzt die Leichtigkeit des Motivs, um auf das Schwere dahinter hinzuweisen: In einer Welt, die sich immer weiter erwärmt, wird der Sommer zur Dauerrealität, werden Badelatschen zum Standard.
Doch anstatt den Finger zu erheben, lässt Issel das Absurde sprechen. Sie lenkt den Blick auf den modischen Nebenschauplatz dieser globalen Katastrophe: den Look des Anthropozäns. Die Krise wird zur Kulisse, die Badelatsche zum Symbol einer Welt, die sich lieber mit Ästhetik als mit Ursachen beschäftigt.

Drei Künstler:innen, drei Meinungen. Malerei trifft Skulptur trifft Fotografie. Was tun, wenn alle gleichzeitig Recht haben?
Eine Ausstellung über Widerspruch, Eigensinn und Gruppendynamik. Keine Zerreißprobe, sondern ein stabiler Dreiklang aus Eigenwillen, Reibung und Zusammenhalt. TRILEMMA zeigt, wie aus Unterschiedlichkeit eine gemeinsame Haltung entstehen kann.
Die drei Künstler*innen haben 2022 die Kultur- und Ausstellungsplattform MARS in Frankfurt gegründet. Die Galerie Oel-Früh wird in 2026 eine Ausstellung dort kuratieren.

„Fest der Erde“ verbindet Kunst, Theater und symbolische Elemente der kaukasischen Kultur. Doch sie bleibt nicht in der Vergangenheit verhaftet – sie reflektiert auch die Spannungen, Herausforderungen und Hoffnungen des heutigen Georgiens. Bezüge zu kulturellen Symbolen finden sich mehrfach in den Arbeiten.

Die Fantasie, die Meret Kern in ihre Arbeiten fließen lässt, wird vom Malen und Zeichnen selbst befeuert, ebenso aber auch durch ihre Beobachtung menschlicher Beziehungen. Die Wechselwirkung dieser beiden Pole lassen sich an ihrer Arbeitsweise ablesen, die anfangs von einem tastendem Suchen nach dem Motiv geprägt ist. Ohne dass sich die Künstlerin dafür auf eine vorher festgelegte theoretische Hilfskonstruktion, Rahmenhandlung oder einen klassischen Bildvorwand verlässt, trifft sie intuitive bildnerische Entscheidungen.

Konzert-Installation für 8 bis 16 Lautsprecher und XXL-Vinyl, Plattenspieler und Kontrabass.
Der Makrograph ist ein riesiger Plattenspieler, auf dem Tonträger mit einem Durchmesser von 33⅓ Zoll (82,9 cm) von ganz unterschiedlicher Materialität und Oberflächenbeschaffenheit «abgespielt» werden können. Während beim klassischen Plattenspieler eine Nadel in der Rille gleitet und Schwingungen in hörbare Töne übersetzt, tastet beim Makrograph ein Laserstrahl die Oberfläche des Tonträgers ab. Die dabei gewonnenen digitalen Daten bilden das Ausgangsmaterial für die Komposition. 
Volume I – Mikrogramm 400 (Gedicht von Robert Walser, 2021) 
Volume II – Schnelle Antwort (QR-Code, 2023)
Volume III – Volume III (Gestaltung Albert Oehlen, 2024)
Volume IV – Plan B (Caruso St John Architects, 2024)

Herzliche Einladung an nichts und niemand und ein herzliches Willkommen an alle. Euch alle. Ihr alle, die wir nicht sind und niemals sein werden. Ihr alle, die wir niemals waren und niemals sind. Nicht, dass du niemand bist, herzliche Einladung an dich. Und auch an dich. An euch alle. Welcome, oder auch: Willkommen. Ich auch. Herzliche Einladung. Da hier, wo ihr alle invited, eingeladen steht, dürft ihr euch ausladen, euch hier rein- und h(i)er rausladen. Will_kommen und will_gehen. Will dich hier sehen. Will in dir etwas sehen, mich in dir verstehen. Stehen. Will niemanden und alles sehen. Kommen und gehen. 

Geprägt von einer fast skandalösen Einfachheit, schafft der Künstler Carlos León Zambrano detaillierte Installationen mit minimalen Gesten, in denen er den Besucher:innen erzählerische Hinweise hinterlässt. Seine Arbeit erforscht die Dramaturgie des Ausstellungsraums als Material und die Rolle der Kunst in der Beziehung zwischen persönlichen Erfahrungen und dem öffentlichen Akt. Die Ausstellungen funktionieren als performative Ereignisse, in denen Objekte zu Akteuren werden und eine aktive Rolle innerhalb einer Szene übernehmen. 

Die Ausstellung ‚Jenseits der Sterne‘ beschäftigt sich mit der kommerziellen Aneignung spiritueller und emotionaler Werte in der modernen Konsumkultur. Großformatige Malereien und eine zentrale Altar-Installation verbinden sich zu einer visuellen Erzählung, die das Spannungsfeld zwischen Glück, Spiritualität und Konsum reflektiert.

Spengemanns Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle von Skulptur und Szenografie. 
Ausgangspunkt ist die Transformation von Inhalten der uns vertrauten Wahrnehmungsmuster.
In raumgreifenden Installationen erforscht er Klang auf seine skulpturalen und narrativen Eigenschaften. Analog des Fotografischen lässt sich der reproduzierte Klang als Abbild eines auslösenden Moments begreifen. Die Installationen stellen keine Reproduktionen dar, sondern sind Ergebnis von Übersetzungsprozessen.

Ornamentale Formen treffen auf technische Präzision: Janine Eggert erforscht in ihrer Ausstellung Efficiency and Fantasy die Spannung zwischen reiner Funktionalität und ästhetischer Formensprache. Ihre Skulpturen und Installationen verbinden die klare, industrielle Formensprache der Serienfertigung mit der Einzigartigkeit handgefertigter Werke und stellen so die Frage: Welchen Wert hat ein Objekt, wenn es maschinell produziert ist – und welchen, wenn die Hand eines Menschen es geformt hat? Inspirativer Startpunkt für die Ausstellung in der Galerie Oel-Früh ist ein Aufenthalt in Los Angeles…

Jonas Lerch bedient sich der künstlerischen Praxis der Glitch Art, die einen Gegenentwurf zum scheinheiligen Perfektionismus entgegenbringen soll und starre Regeln, Technikarroganz und Konvention hinterfragt. Die Installation besteht aus einem atmosphärischen Geflecht fragmentierter Interviews, verfremdeter Videocollagen und einer Soundscape aus Störartefakten, found footage, fieldrecordings und synthetischen Klängen.  

”Time of Monsters” beschäftigt sich mit gesellschaftlichen Spannungen in Zeiten der Klimakatastrophe. Anhand von spekulativen Fossilien und archäologischen Fundstücken spinnt sich ein Narrativ, das unsere Gegenwart in tiefster Vergangenheit verortet. Dieser Perspektivwechsel ermöglicht eine Untersuchung des gegenwärtigen Moments und lädt dazu ein, sich mit den Monstern unserer Zeit zu konfrontieren.
„The old world is dying and the new world struggles to be born. Now is the time of monsters.” Antonio Gramsci, 1971 (freie Übersetzung von Slavoj Žižek, 2010)

Das Format der „Kleinen Gesellschaft für Kunst und Kultur“ feiert ihr Zehnjähriges Bestehen in der Oel-Früh mit der Ausstellung „Kleine Gesellschaft für Höhere Wesen“. Gegründet wurde die Reihe von Micha Mohr, Claus Sautter, Peter Boué und Alexander Rischer 2014 in Hamburg-Barmbeck. Der Titel „Kleine Gesellschaft“ erinnert nicht zufällig an eine vergangene Zeit, in der „Gesellschaften“ zur elektrifizierten Fortbewegung oder zur Erforschung des Südpols gegründet wurden. Es war immer das Betreiben einer Sache, die das Verfolgen dieser Projekte als gesellschaftlich relevant verstand.

Die interaktiv entstandene Soundinstallation versucht, einen Erfahrungsraum der Wandelbarkeit von Räumen zu schaffen und die Notwendigkeit von Interaktion zu verdeutlichen. Sie ist fragmenthaft, unvollständig, instabil und im Prozess wandelbar. Die Besuchenden sind dazu eingeladen, sich im Raum zu bewegen oder hinzulegen und dem Soundscape zuzuhören oder aktiv, durch die Bedienung eines Controllers, in den Prozess des Raumklangs einzugreifen.

In Chloe-Rose Purcells Arbeiten gibt es fast immer Verweise auf historische Ereignisse, mythologische und christliche Motive, insbesondere auf die christliche Ikonographie, transferiert in eine Art Clipart-Renaissance-Mittelalter-Stil. So findet sich in der Ausstellung wiederkehrend das Motiv des Kaninchens – seit Jahrhunderten ein Symbol für Fruchtbarkeit, in unserer Gegenwart – als „rabbit hole“ bezeichnet – auch Sinnbild für das Verlorengehen im digitalen Informationsnetz.